Fuun Lion-Maru, ou o Poderoso Lion Man

 

“... Durante a transfiguração, o foguete preso em suas costas carregado com um tipo raro de pólvora, se transfere com energia elétrica proveniente da espada e em pleno ar se transforma em Lion-Man, uma dádiva dos ninjas.”

Foi ouvindo essa frase inúmeras vezes nas reprises da televisão brasileira, no início dos anos 1990, eu conheci as aventuras de um estranho samurai que se transformava em um leão laranja para enfrentar hordas de inimigos.

Tenho quase certeza de que foi em alguma edição da revista Herói que descobri que aquele personagem não era o primeiro Lion Man. Fuun Lion-Maru (1973) era, na verdade, uma continuação espiritual de Kaiketsu Lion-Maru (1972), conhecido entre os fãs como o Lion Man Branco. Eu mesmo só fui compreender melhor essas conexões anos depois, já nos anos 2000, quando comecei a frequentar fóruns especializados e pesquisar mais sobre a história do tokusatsu.

Fuun Lion-Maru, que pode ser traduzido livremente como "O Homem-Leão da Nuvem de Tempestade", conta a história de Dan Shishimaru, um jovem que presencia o assassinato de seu irmão mais velho pelas criaturas do maligno Clã Manto. Em sua jornada, ele recebe uma espada especial que lhe permite se transformar no poderoso Lion-Maru, um guerreiro com aparência de leão capaz de enfrentar monstros e outros combatentes sobrenaturais.

Mas a série vai além. Ao longo de sua viagem por um Japão fantástico do período Edo, Dan precisa descobrir o que realmente move sua missão: o desejo legítimo de combater a tirania do Clã Manto ou a busca pessoal por vingança contra aqueles que destruíram sua família.

Por se tratar de uma produção com mais de cinquenta anos, muitos aspectos técnicos podem parecer datados para o público atual. Ainda assim, sua narrativa permanece surpreendentemente sólida, sustentada por temas universais como honra, justiça, dever e redenção.

O que torna Lion Man especialmente interessante é sua forte ligação com uma tradição cinematográfica muito mais antiga que o próprio tokusatsu. A série surge diretamente da fonte do chanbara, gênero japonês de filmes de espada que dominou o cinema das décadas de 1950 e 1960 e foi imortalizado por diretores como Akira Kurosawa.

Várias obras do gênero estão entre as mais inspiradoras de todos os tempos, como “Os Sete Samurais”, “Yojimbo” e “Fortaleza Escondida”. Essas produções ajudaram a popularizar a figura do samurai errante: um guerreiro disciplinado, guiado por um rígido código moral, envolvido em conflitos que frequentemente misturavam ação, filosofia e drama humano. Essa influência ultrapassou as fronteiras do Japão e acabou moldando outros gêneros ao redor do mundo.

Os westerns italianos de Sergio Leone herdaram muito dessa estrutura narrativa, substituindo samurais por pistoleiros solitários. Anos depois, George Lucas também utilizaria diversos elementos do cinema japonês para construir Star Wars, criando seus próprios "samurais espaciais" na forma dos Cavaleiros Jedi.

O mais curioso é que esse ciclo de influências continuou girando. Após o sucesso de Guerra nas Estrelas, o próprio tokusatsu e os animes japoneses passaram a absorver elementos das space operas ocidentais, criando um diálogo cultural que permanece vivo até hoje.

Fuun Lion-Maru surgiu justamente em um momento de grande transformação da televisão japonesa. Após o enorme sucesso de Kamen Rider Ichigo, criado por Shotaro Ishinomori em 1971, o país viveu o chamado Henshin Boom, período em que diversas emissoras passaram a produzir seus próprios heróis transformáveis.

Enquanto muitas dessas produções apostavam em motociclistas mascarados, ciborgues ou guerreiros tecnológicos, Lion Man seguiu um caminho diferente. Sua inspiração estava menos na ficção científica e mais nas histórias de samurais e nos filmes de aventura. O resultado foi uma série que misturava fantasia, ação e drama, transformando cada episódio em uma nova parada na jornada de um guerreiro errante.

Talvez seja justamente por isso que Fuun Lion-Maru continue tão interessante, décadas depois de sua estreia. Por trás da fantasia de um guerreiro com cabeça de leão, existe uma história sobre um dos temas mais antigos da ficção: o duelo entre dois homens defendendo aquilo em que acreditam. Dos samurais do chanbara japonês aos pistoleiros dos westerns italianos, passando pelos cavaleiros Jedi de Star Wars, essa tradição atravessa gerações e continua viva nas aventuras de Lion Man. E, de certa forma, também ajudou a moldar o próprio tokusatsu moderno.

 

DAN SHISHIMARU, O PODEROSO LION-MAN (18N)

F4* (Corte), H3, R3, A2, PdF1 (Perfuração)

PV 25 | PM 25

Kit Samurai: Espada Ancestral Kinsaki (F+1), Grito de Kiai.

Vantagens: Humano (Versatilidade); Ataque Especial (Lion Furacão — F, Poderoso, Preciso); Patrono (Dádiva dos Ninjas); Pontos de Magia Extra; Pontos de Vida Extra.

Desvantagens: Código de Honra do Samurai (obedecer ao Patrono, não recuar diante da morte, vingar qualquer desonra e jamais demonstrar covardia); Devoção (vingar a morte de seu irmão mais velho, Kagenoshin).

Perícias: Especialização em Artes (Caligrafia), Esportes (Acrobacia) e Investigação (Rastreio).

 

KYOUDAI KEN BICROSSER

Uma das memórias mais marcantes dos seriados dublados são aquelas narrações que explicavam tudo o que estava acontecendo. E sempre que dois irmãos entravam em um armário, podíamos ouvir:

“Através da telepatia e dos poderes mentais, eles se comunicam entre si, conseguem ouvir os gritos a longas distâncias, e se transportam para a quarta dimensão. E uma vez lá, eles se transformam nos Bicrossers do espaço quadridimensional.”

Durante muito tempo eu sequer lembrava o nome da série. Mas bastava ouvir essa narração para saber exatamente do que se tratava.

Anos depois, descobri que aqueles heróis eram os protagonistas de Kyoudai Ken Bicrosser (1985), mais uma criação do gênio Shotaro Ishinomori. Produzida pela Toei Company e exibida originalmente pela Fuji Television, a série chegou ao Brasil em 1991, numa tentativa das emissoras concorrentes responderem ao domínio que a TV Manchete exercia com O Fantástico Jaspion e outros sucessos japoneses.

Lembro de assistir aos episódios no bloco Sessão Aventura e nas reprises de madrugada, nos finais de semana, quando meu pai deixava. Talvez por isso algumas lembranças tenham sobrevivido tão bem ao tempo.

Por ser uma produção voltada ao público infantil, o tom da série era bastante cômico. Ainda assim, como acontece em muitas obras do Ishinomori, existia um drama por trás das aventuras. Os vilões eram caricatos, odiavam crianças, os episódios traziam lições simples e os uniformes dos heróis possuíam um visual extremamente marcante.

Mas, acima de tudo, acredito que o golpe final tenha ficado gravado na memória de quase todo mundo que assistiu ao seriado. Pilotando uma enorme moto vermelha, um dos protagonistas saltava e pousava a pesada máquina sobre o ombro do companheiro. Após fixar o alvo através de uma mira computadorizada, disparava uma poderosa rajada de energia que explodia o monstro da semana. Era exagerado, impossível e absolutamente incrível.

Analisando a série através da lente do tempo, o que mais me chama atenção é a energia de movimento típica da década de 1980.

Cada irmão possuía um veículo radical que surgia da nave Star Core, responsável também por fornecer seus uniformes e armamentos. Tudo parecia girar em torno de tecnologia, aventura e dinamismo.

Naquele período, o Japão vivia o auge de sua confiança econômica e tecnológica. Carros esportivos, motocicletas, eletrônicos e computadores representavam o futuro. Não por acaso, os Bicrossers eram heróis cercados por máquinas fantásticas, veículos especiais e equipamentos que pareciam saídos diretamente das promessas daquela década.

Aqui no Ocidente, vivíamos algo parecido. Sempre me lembro dos famosos comerciais do cigarro Hollywood, embalados por músicas pop e imagens de jovens praticando esportes radicais. Jet-skis, motocross, carros de corrida e outras máquinas simbolizavam liberdade, aventura e velocidade. Era como se todos estivéssemos sendo convidados a viver no limite.

Claro que Bicrosser não possuía exatamente esse espírito americano, mas compartilhava do mesmo fascínio por movimento, tecnologia e modernidade. Era um seriado infantil que transformava carros, motos e computadores em símbolos heroicos.

Talvez seja justamente por isso que a série ainda permaneça viva na memória de quem a assistiu. Muita gente esqueceu o nome dos personagens, dos vilões e até da história principal. Mas dificilmente esqueceu os dois irmãos entrando em um armário para se transformar ou aquela sensação de que o futuro seria veloz, tecnológico e cheio de aventuras.

E tudo graças ao talento de Shotaro Ishinomori. Ele criava imagens tão fortes que continuam atravessando gerações, mesmo quando os detalhes da história já ficaram para trás.

Bicrosser Ken

O Guerreiro Vermelho da Justiça

Ken Mizuno é o irmão mais velho da dupla Bicrosser. Corajoso e determinado, luta corpo a corpo utilizando sua Cross Blade e atua como o principal combatente da equipe.

Ken Mizuno / Bicrosser Ken (Vermelho)

17N

F4 (corte), H3, R2, A2, PdF1 (fogo)
PVs: 15 • PMs: 15

Vantagens: Humano, Aliado (Ginjiro), Ataque Combinado (Blazer Cannon), Ataque Especial (Cross Blade – F), Parceiro (Ginjiro), Patrono (Pegasus, Deidade Guardiã), Sentidos Especiais (Audição Aguçada, Radar e Visão Aguçada).

Desvantagens: Código dos Heróis, Restrição de Poder (Forma Bicrosser).

Especialização: Acrobacia, Pilotagem e Engenharia.

Ken Loader

Veículo aéreo de alta velocidade utilizado por Ken. Capaz de atingir Mach 5, possui o sistema Ginkuron instalado em sua parte traseira. Seu armamento consiste em dois canhões de energia Ken Beam, montados nas extremidades das asas, permitindo ataques de longo alcance e apoio aéreo.

Golpe Final — Blazer Cannon

A técnica suprema dos Bicrossers. Ken posiciona o Ginclone sobre o ombro enquanto ambos sincronizam suas energias. Após o comando "Shooting!", uma gigantesca rajada de energia solar é disparada pelos faróis da motocicleta, capaz de destruir até mesmo os mais poderosos monstros.

Bicrosser Gin

O Guerreiro Azul da Justiça

Ginjiro Mizuno complementa o estilo de luta do irmão mais velho. Especialista em combate à distância e tecnologia, fornece cobertura e apoio estratégico durante as batalhas.

Ginjiro Mizuno / Bicrosser Gin (Azul)

17N

F2 (esmagamento), H2, R2, A3, PdF3 (fogo)
PVs: 10 • PMs: 10

Vantagens

Humano, Aliado (Ken), Ataque Combinado (Blazer Cannon), Ataque Especial (Cross Shooter – PdF), Parceiro (Ken), Patrono (Pegasus, Deidade Guardiã), Sentidos Especiais (Audição Aguçada, Ver o Invisível e Visão de Raio X).

Desvantagens

Código dos Heróis, Restrição de Poder (Forma Bicrosser).

Perícias

Especialização: Acrobacia, Pilotagem e Computação.

Ginclone

Motocicleta de combate equipada para operações terrestres e aéreas. Alcança 400 km/h em solo e até Mach 1 em voo. Além de transportar Gin, o Ginclone também funciona como um poderoso canhão de energia, sendo a peça central do Blazer Cannon.

Golpe Final — Blazer Cannon

Com Ken servindo como plataforma de disparo, Gin canaliza a energia do Ginclone para formar um devastador feixe de energia solar. Após o comando "Shooting!", a dupla libera um dos ataques mais poderosos de seu arsenal.

Texto de Wellington Arruda Botelho

37 Missões Secundárias

 

Nebula Mask Machineman (Seiun Kamen Mashinman)

Machineman é uma série japonesa de televisão do gênero tokusatsu, criada por Shotaro Ishinomori e produzida pela Toei Company. Foi exibida originalmente entre 13 de janeiro e 28 de setembro de 1984, com 35 episódios. 

Enredo

Viajando a bordo da nave espacial Space Colony, Nick, o protagonista da série, chega à Terra acompanhado de seu robô esférico Ball Boy. Sua missão é estudar o comportamento e os costumes dos seres humanos para concluir sua tese de doutorado.

Assumindo a identidade de Ken Takase, ele conhece Maki Hayama, uma fotógrafa do jornal Shukan Hit. Pouco tempo depois, salva a jovem de uma queda enquanto ela investigava a misteriosa demolição de um edifício.

Juntos, Ken e Maki descobrem que a organização criminosa Tentáculo está por trás das demolições e de diversos outros incidentes ao redor do mundo. Decidido a permanecer no planeta, Nick passa a utilizar sua avançada tecnologia alienígena para proteger Maki e as crianças da Terra sob a identidade do herói Machineman.

A série é dividida em dois arcos. No primeiro, Machineman enfrenta e desmonta a organização Tentáculo. Entretanto, o maligno Professor K consegue fugir para a Espanha. Em seu lugar surge sua sobrinha, Lady M, que ao lado do assistente Tonchinkan funda uma nova organização chamada Polvo, dando início à reta final da trama.

Assim como seu tio, Lady M sofre de uma curiosa alergia a crianças: sempre que se aproxima de uma delas, seu nariz fica vermelho. Inicialmente, ela recruta criminosos lendários de diversas partes do mundo para enfrentar o herói. Mais tarde, passa a utilizar androides em suas investidas contra Machineman.

Nos episódios finais, o desaparecido Professor K retorna trazendo sua criação definitiva: Golden Monsu, uma versão aprimorada e muito mais poderosa do Tetsujin Monsu, representando a maior ameaça já enfrentada pelo herói.

 

A Minha Experiência com Machineman

Exibido no Brasil a partir de 1990 pela Rede Bandeirantes e posteriormente reprisado em outras emissoras ao longo da década, Machineman apresentou para mim um dos heróis mais marcantes da infância.

Mesmo sem possuir a ação frenética das franquias Metal Hero, Super Sentai ou Kamen Rider, seus episódios se destacavam por abordar pessoas comuns corrompidas por seus defeitos e ambições, que acabavam encontrando redenção através do arrependimento, do amor e da amizade.

As comparações com Superman são inevitáveis. Embora nunca tenha existido uma confirmação oficial por parte de Shotaro Ishinomori ou da Toei Company, as semelhanças são evidentes: um alienígena benevolente que vive entre os humanos, utiliza uma identidade secreta disfarçada por simples óculos e salva uma repórter em perigo logo no início da história.

Mais do que uma possível inspiração, essas coincidências demonstram a enorme influência que o maior herói da DC Comics exercia sobre a cultura pop mundial durante a década de 1980.

Também acredito que o tom mais infantil e otimista da série, algo relativamente incomum nas obras de Ishinomori, foi responsável por transmitir mensagens muito positivas para mim e para minha irmã. Curiosamente, mesmo sem compartilhar da minha paixão por tokusatsu, ela ainda se lembra com carinho do simpático Ball Boy.

Produções como Jaspion, Jiraiya, Changeman, Cybercops e Kamen Rider Black costumam ocupar um espaço maior na memória afetiva da geração que cresceu nos anos 1980 e 1990. Ainda assim, sempre me surpreendo com a quantidade de fãs mais especializados que consideram Machineman uma das melhores séries do gênero exibidas no Brasil.

Além de sua leveza característica, destaco a excelente trilha sonora interpretada pelo lendário cantor Mojo, acompanhada pelas composições do maestro Chumei Watanabe. A dublagem brasileira realizada no início da década de 1990 também merece reconhecimento por sua qualidade e importância para o sucesso da série em nosso país.

Tive a oportunidade de assistir ao próprio Mojo cantando a abertura de Machineman durante uma edição do Anime Friends, há cerca de vinte anos. Pode parecer um detalhe simples, mas é uma lembrança que guardo com enorme carinho e pela qual sempre serei grato à Yamato e aos organizadores do evento.

Seja você um defensor das antigas ou um novato curioso, vale a pena procurar os episódios de Machineman. E, se gostar da experiência, aproveite para conhecer outras criações de Shotaro Ishinomori, responsável por alguns dos heróis mais importantes da história do tokusatsu.

Afinal, descobrir novas obras de um dos maiores criadores da cultura pop japonesa já é, por si só, um excelente motivo para embarcar nessa jornada.

Machineman (20N)

Atributos: F3*, H4, R4, A2, PdF2 • 20 PVs • 20 PMs

Vantagens: Alien (F+1); Armadura Extra* (Fogo); Aliado (Ball Boy); Boa Fama (Crianças da Terra); Implemento II (Paz de Marah); Patrono (Space Colony); Sentidos Especiais* (Audição Aguçada, Visão Aguçada, Visão de Raio-X)

Desvantagens: Código dos Heróis; Inculto* (Cultura da Terra); Protegido Indefeso (Crianças da Terra); Segredo (Identidade Secreta)

Perícias: Ciência 

Equipamentos da Space Colony:

- Warp Throttle: Dispositivo multifuncional utilizado por Machineman. Além de servir como uma pistola laser para combate à distância, também é responsável por convocar o Dolphin, permitindo que o herói acesse rapidamente seu principal veículo.

- Laser Saber: Espada de energia utilizada tanto para ataque quanto para defesa. Seu formato lembra um sabre de esgrima, refletindo o estilo elegante de combate do herói. Também é empregada na execução da técnica de purificação, capaz de libertar vítimas da influência dos vilões.

- Dolphin: O principal veículo de Machineman. Em sua forma terrestre, é um supercarro capaz de atingir velocidades superiores a 400 km/h. Quando necessário, transforma-se no Dolphin Jet, uma aeronave de alta performance que alcança velocidades de até Mach 3,4, permitindo ao herói atuar em qualquer lugar do planeta.

- Ball Boy: Um pequeno robô no formato de bola de baseball. Atua como parceiro, conselheiro e suporte técnico de Machineman. Frequentemente auxilia nas investigações e operações do herói.


Texto escrito pelo Wellington Botelho

Como Criar Antagonistas Genuinamente Inteligentes no RPG

Criar um vilão inteligente no RPG tem um desafio oculto: não se trata apenas de fazê-lo derrotar os heróis, mas sim de fazer os jogadores sentirem que ele mereceu a vitória e não foi o mestre roubando atrás do escudo. Autores de peso como Arthur Conan Doyle, Agatha Christie, Thomas Harris, Umberto Eco e George R. R. Martin costumam construir vilões que não têm o dom de adivinhar o futuro. Eles apenas entendem de pessoas. E pessoas são incrivelmente previsíveis.

O segredo é mais simples do que parece: um grande vilão não prevê ações; ele prevê as motivações.

Quando o grupo toma uma decisão que parece totalmente espontânea, mas acaba caindo exatamente na armadilha que o antagonista queria, os jogadores sentem que estão lidando com um verdadeiro gênio, e não que o Mestre está simplesmente direcionando a história para que aventura continue.

Quer levar isso para a sua mesa? Aqui estão alguns exemplos práticos de planos maquiavélicos para você usar nas suas campanhas.

1. Caindo direto na Armadilha

O objetivo do vilão é roubar um artefato super protegido pela Igreja. Os heróis acham que o inimigo vai tentar invadir o templo à força. O que realmente rola? O vilão espalha boatos muito convincentes sobre um ataque iminente. Consequentemente, os jogadores investigam, descobrem "provas" plantadas, alertam as autoridades e reforçam a segurança do local. Tudo parece uma vitória tática.

O problema é que o artefato nunca esteve no templo. Temendo um ataque, a Igreja decidiu transferir o item para um esconderijo secreto — e era exatamente isso que o vilão queria. O roubo acontece no meio da estrada, durante a transferência, ou o vilão já tem um agente infiltrado dentro do esconderijo. Ele não previu as ações do grupo; ele previu que uma instituição conservadora agiria na defensiva, usando os próprios heróis como entregadores.

2. A Testemunha

Aqui o foco é eliminar um rival político. Primeiro, o vilão forja provas cabais de corrupção e deixa que os heróis as encontrem. Crentes de que descobriram a verdade, eles denunciam o rival, que acaba atrás das grades. Parece uma vitória fácil, certo? Mas aí surge uma testemunha irrefutável que prova a inocência do acusado. A população logo conclui que a denúncia era falsa e que foi tudo uma armação.

De repente, o rival vira um mártir. A grande sacada? O alvo nunca foi ele, mas sim acabar com a credibilidade dos heróis. Agora, ninguém na cidade confia neles, e o vilão usou o próprio grupo para destruir a reputação deles.

3. Contra Inteligência

"Eu não sou um vilão dos quadrinhos. Você acha realmente que eu iria explicar o meu plano de mestre para você, se houvesse a menor possibilidade de que você poderia afetar o resultado? Eu o acionei há 35 minutos."

Inspirado em táticas militares. Os heróis precisam impedir um ritual profano e descobrem três esconderijos possíveis. Todos têm pistas reais, todos fazem total sentido e todos exigem ação imediata. A grande verdade? O ritual não vai acontecer em nenhum deles.

Esses três locais servem só para dividir o grupo e esgotar seus recursos. O verdadeiro ritual está rolando num quarto local que ninguém suspeita. O detalhe que deixa os jogadores malucos é que as pistas não eram mentira: havia cultistas trabalhando duro nos três locais. A sensação final não é de terem sido enganados por magia, mas de terem sido esmagados por uma organização gigantesca.

4. O Plano do Herói Perfeito

Como assassinar um rei protegido por todos? Fácil: criando o herói que vai salvá-lo. O vilão financia pequenos ataques e gera ameaças controladas, apenas para deixar que um cavaleiro "aleatório" derrote todas elas. Esse cavaleiro fica famoso, vira o queridinho da corte, ganha privilégios e a confiança cega da coroa. Anos depois, ele mata o rei. O herói era, desde o começo, um agente infiltrado adormecido. Um jogo de paciência e espionagem de altíssimo nível.

5. Induzidos ao Erro

“Desconfiar de mim foi a coisa mais sábia que você fez desde que desmontou do cavalo.”

Esse dói na alma dos jogadores. O vilão deixa vazar intencionalmente várias informações sigilosas. Os heróis investigam e confirmam que tudo é 100% real. Com o tempo, eles passam a confiar cegamente nessa fonte "anônima". Muitos meses depois, bem no clímax da aventura, chega uma única informação falsa. Só uma. Os heróis caem como patinhos, afinal, as últimas dez dicas eram verdadeiras. O resultado é que eles mesmos causam a própria ruína, pois ninguém desconfia de uma mentira quando ela vem abraçada em várias verdades.

6. O Plano da Profecia Fabricada

O objetivo aqui é manipular o futuro criando uma profecia do zero. O vilão move os pauzinhos nas sombras para que os primeiros "sinais" do texto profético aconteçam de verdade. O povo e os líderes do reino começam a acreditar e passam a tomar decisões baseadas nessa profecia. A partir daí, o vilão dita o comportamento de todo mundo. Não só porque a magia é real, mas graças à psicologia: é a famosa profecia que se autorrealiza.

7. Sacrifício Calculado

O vilão parece prestes a ser derrotado. Os heróis invadem a base dele, derrotam os capangas, quebram tudo e roubam o tesouro. A mesa inteira comemora a vitória épica. Meses depois, a ficha cai: os cofres só tinham documentos forjados, os capangas eram mercenários baratos e a base estava abandonada de propósito. Enquanto o reino soltava fogos de artifício comemorando, o vilão concluiu seu plano principal sem levantar um único dedo, em outro lugar. Nada deixa um grupo mais vulnerável do que o excesso de confiança depois de uma "vitória". Ou o vilão pode explicar que a vitória dos heróis fazia parte do plano desde o começo.

8. O Plano da Teia de Aranha (Perfeito para campanhas longas)

O vilão espalha dez conspirações menores pelo mundo. Os heróis começam a caçar e destruir uma por uma. Só que cada base destruída gera um efeito colateral oculto. Os jogadores acham que estão salvando o mundo, mas, na verdade, estão ativando os passos de um ritual maior. Destruir o templo maligno quebra o primeiro selo; derrotar o lorde arrogante libera a energia do segundo; recuperar a espada lendária junta a peça final.

Lá no final da campanha, a revelação choca a mesa: cada vitória deles era uma engrenagem girando a favor do vilão. Eles nunca foram os mocinhos; foram peões trabalhando de graça.

A Regra de Ouro dos Grandes Vilões

Os melhores e mais inesquecíveis planos não dependem de adivinhar qual porta o grupo vai abrir, que magia o mago vai conjurar ou se uma rolagem de dados vai resultar em um sucesso crítico. Eles dependem de prever sentimentos: orgulho, curiosidade, ganância, medo, heroísmo e senso de justiça. Pois, no final é isso que vai mover as peças da história e levar os personagens adiante.

Quando o antagonista e o mestre entendem de verdade como a mente humana funciona, ele não precisa ser um deus onisciente. Ele só precisa arrumar o tabuleiro de um jeito que, não importa qual peça os heróis decidam mover, eles acabem jogando exatamente o jogo que ele queria desde o início. É por isso que personagens como o Professor Moriarty, Hannibal Lecter, Petyr Baelish e Ozymandias parecem tão geniais: eles não controlam os eventos, eles controlam as motivações. E, infelizmente para os heróis, quase ninguém percebe a diferença a tempo.

Cinco estrelas pela dedicação aos clichês

 

Às vezes esquecemos que, para os monstros, nós também somos os NPCs previsíveis da história.

E você? Qual é o clichê de RPG que sempre aparece nas suas mesas e que ninguém consegue abandonar? 🎲🐲

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